REMARKS ON DAYLIFE

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Remarks on Sandra Mann’s photoworks

By Dr. Tobias Wall

In the summer of 2007 DIE ZEIT newspaper headlined one of its issues with the words: “The new power of photography”. Photography has undergone a real boom thanks to digitalization. Every standard mobile phone has a photo function, and day-in day-out, every minute, every second, millions of photographs are shot. Something only counts as being real if it has been photographed, the brain and the memory no longer suffice. It is no longer words, stories or texts that define our view of reality, it is not the Bible, no longer the Constitution, nor Kant’s Critique of Pure Reason, but images: the close-up of a member of the Vietcong being shot, the World Trade Center going up in flames, tortured and debased Iraqi prisoners. When exactly the event happened, the name of the place where it happened, who the torturers were is remembered less than the image. Once upon a time, grandma told stories; today she shows us her photo album. “Remember this?”

The image of the world arises through images; so photography is the mass medium per se. This is also the reason, why it has since its beginnings had such a tough time of asserting itself as an art form although very early photographers claimed to produce art. The problem of photography is its reproducibility; to this day, “real art” tends to be associated with a notion of uniqueness, of the original. That is also what is so enticing about a painting or drawing. It only exists once, and only it has an aura, the here and now. However, the art value of a work has long since severed its links with originality and uniqueness. For Albrecht Dürer’s representations of the Passion, prints that were not even numbered, immense sums are bid, and anyone today wishing to acquire a linoleum print by Picasso will likewise have to pay a five-digit figure. What is important for the piece’s value is solely that the work does not exist a random number of times, but is limited and numbered, such is the case with modern photographs and the works of Sandra Mann.

Photography can do everything that the traditional art forms of drawing, painting, and sculpture can also do, it simply does it with different, new technical means.

In the 20th century there were various revolutions in the visual arts that led to art and its techniques and methods changing completely.

In the past, it was fairly clear what art could be, one could say it was primarily painting and sculpture, drawing, architecture and the classical art forms. It was equally clear, what art had to concern itself with: Religious or historical themes, portraits, still lifes, etc.

All of that changed radically as of the end of the 19th century. Increasingly, artists started to reject the customary notions of art. They first began concerning themselves with new content and objects that had hitherto been regarded as irrelevant or unsuitable. They became committed citizens, trying with their work to intervene in society. Their working methods were increasingly free and provocative, and for the mass of those interested in art ever more incomprehensible. Until the Dadaists actually created works that no longer sought to be art at all. Anti-art. It was now not the beautiful piece of art that was interesting but the artistic act. Marcel Duchamp placed a urinal in an exhibition, signed it, and declared it art. Suddenly everything could be art and art could address anything.

Not only were the big religious and heroic themes interesting, but so was everyday culture, comics, ads, lifestyle … as in Andy Warhol’s oeuvre.

With the change in the understanding of art, the techniques used in art changed, from being just painting, drawing and sculpture to include collages, material works, the human body, the new media, video, and not least photography.

Today, there is no longer any doubt as to the artistic importance of photography. No collection of contemporary art can now pass photography by. (In the United States alone there are over 500 museums collecting photography.) Art fairs are full of photographic works. And auction houses achieve amazing prices for photos. (Last February, Andreas Gursky’s supermarket image “99 Cent” changed hands at Sotheby’s for € 2.27 million)

We can safely say that Sandra Mann is a young photographic master. After studying art history in Frankfurt, she trained at the Offenbach Academy of Design. Since the mid-1990s her photos have been exhibited in countless solo and group shows inside and outside Germany, and her works have hung, among others, in Museum für Moderne Kunst Frankfurt, Tiroler Landesmuseum, Kunsthalle Düsseldorf and Museo Universitario de Ciencias y Arte Mexico City.

She gives us an insight into the different facets of her multi-faceted photographic work.

I have just briefly outlined the nature of the relationship between the new art form of photography and traditional art, and how modern art emancipated itself from the customary art forms. Yet I did not mention that the most unconventional of art maintains its reference to the tradition of art and art history. Art history is latently present in every good work. And that is the case with Sandra Mann’s works. If one considers the different themes she photographs, then one soon notices that here in modern form we find almost all the genres of traditional painting:

Genre painting, i.e., “scenes from everyday life”, portraiture, landscapes (usually in cities) or still lifes.

Sandra Mann truly came to fame with her genre images, photos taken at parties and in the nightlife world around the globe. It was here that she produced what are arguably her most incisive studies of people, bodies and faces, in effect, portraits. Sweating bodies, exhibitionists, the tattooed, the drop-outs, the yuppies, the losers. Fascinating insights into the world between midnight and dawn, hunting for the most intensive life possible. Marvelous, hungry for life, abysmal.

We find equally impressive art in the city and landscape images, views that Sandra Mann has captured on her countless travels to various metropolises the world over, from Paris and Frankfurt to Manila and New York. She produced an entire series of impressions of her last trip to Milan: They are strangely melancholic shots of a city in which to a quite unique extent the everyday world and the fashion world mingle, blend, and reflect each other.

Speaking for myself I am especially taken with Sandra Mann’s still lifes, these wondrous compositions of the usual and the abstruse that she extracts from everyday life with her camera: The schnapps bottles gather in yearning at the window with the view out over the skyline of a major city. Fish put their heads together, having already been eaten. A dripping faucet leaves a map of the world in the basin...

Each of the images, be it a portrait, a genre scene or a still life, has a story of its own, albeit one Sandra Mann does not actually wish to tell. She wants her images to trigger stories in the viewer’s own mind. Just as with each exposure she captures scenes, so she wishes to trigger stories in our heads. The work arises in the beholder and what arises their need not have anything to do with the history of the picture in question.

In other words, Sandra Mann is not a storyteller, she pursues no concept when photographing, so she says:

“When I photograph I do not wish to consciously think; I take the best shots when I don’t think. Then the subconscious takes over in the sense of a non-rational, more emotional and intuitive form of thinking, thought that is nurtured by personal, spatial, temporal, physical and mental experiences.”

Precisely in this crucial respect her work sets itself apart from photojournalism, which tells us stories in images.

Yet conceptualization and composition play a key role in her work in another respect. She makes use of concepts when working with finished photographs, i.e., when deciding how to present them in exhibitions and which to display. Indeed, her presentations are essentially photo installations, with which, as in Kunsthalle Mannheim, she fills entire rooms.

Sandra Mann always responds in her choice for exhibitions to the particular space available and within that frame stages her works according to a free, pleasurable and humorous plot. She forges different links between the pictures, combined themes, colors and content, creates unexpected encounters and surprising correspondences. But here, too, she does not define a firm plan for all to follow with great precision. The viewer is left to find her own way through this intelligent thicket of ambiguous allusions.

The strength of Sandra Mann’s images is their directness, the proximity she has to the objects of her art, particularly the people. She is always in the midst of things, inextricably part of things, yet always preserving the distance of the silent viewer. She remains superior and yet in her shots we never find a streak of superiority or voyeurism. Her view of the world may be merciless, but it is always to a certain extent loving. With her camera she encounters one and all with respect. She tries, as she told me once, always to give the thing/person photographed something, rather than take from them.

That is not a matter of course, as photographing is essentially brutal, says Sandra Mann, it is always shooting, capturing, tearing something from the flow of time. Yet Sandra Mann manages to strip things of their surfaces without robbing them of their souls and degrading them to objects on show. Perhaps this is the mystery behind her photographs: In her photos, people and things develop a life that possibly (with the help of the viewer) goes beyond their actual existence. This form of photography does not record and take, but instead liberates and gives.

To close with the words of that great curator Jean-Christophe Amman, who is a staunch admirer of Sandra Mann’s work:

“With her vision, Sandra Mann produces an astonishing wealth of everything, as if she wished to embrace the world.”

Stuttgart, 14.8.2007

Dr. Tobias Wall

from: Ekrem Yalçındağ (Hg. ed.), Daylife. Sandra Mann, Amerikan Hastanesi Yayinlari, Istanbul (Levent Özçelik) 2008

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Bemerkungen zu den Fotoarbeiten von Sandra Mann

von Tobias Wall

Die neue Macht der Fotografie. Mit der Digitalisierung hat das Fotografieren einen unglaublichen Boom erlebt. Jedes Standardhandy verfügt über eine Fotofunktion, tagtäglich, jede Minute, jede Sekunde werden Abermillionen von Bildern geschossen. Nur das gilt als erlebt, was man auch abgelichtet hat, das Hirn, die Erinnerung reicht nicht mehr aus. Das Bildgedächtnis ist outgesourced. Es sind nicht Worte, Geschichten oder Texte, die unsere Sicht der Wirklichkeit bestimmen, nicht mehr die Bibel, nicht mehr das Grundgesetz, nicht Kants Kritik der Reinen Vernunft, sondern Bilder, Fotografien: die Nahaufnahme der Erschießung eines Vietnamesen, das im Feuerball untergehende Word Trade Center, gequälte, erniedrigte Irakische Gefangene. Wann das Ereignis genau stattfand, wie der Ort hieß, wie die Peiniger ist viel weniger in Erinnerung als das Bild. Früher erzählte die Oma Geschichten heute zeigt sie uns ihr Fotoalbum. “Weißt Du noch?”

Das Bild der Welt entsteht durch Bilder; Die Welt ist alles, was der Fall ist und was der Fall ist, bestimmen Bilder.

Aus dieser Macht des Bildes schöpfen Fotokünstlerinnen wie Sandra Mann. Es wundert nicht, dass sie (Sandra Mann) zu den jungen Stars der deutschen Fotografie gezählt wird. In ihrem Werk verbinden sich technische Meisterschaft und das absolute Gespür für den richtigen Moment mit grenzenloser Neugier und einer unbeugsamen Aufrichtigkeit des Blicks. Perfekte Fotografie, ohne dass sich jedoch ein einziges Bild dem Auge anbiedern würde (Die große Gefahr in der Fotografie).

Wie soll man in das Werk dieser Künstlerin einführen? Seine Vielfalt ist enorm, zu groß, um sie hier nur annähernd darstellen zu können.

Gerade weil wir es hier mit sehr moderner, junger Kunst zu tun haben, wollen wir, um einen ganz kurzen Überblick zu erlangen, auf die gute alte Kunstgeschichte zurückgreifen. In jedem Kunstwerk von Qualität wird die Kunstgeschichte immer mitgedacht oder lässt sich aus ihm herauslesen. Betrachtet man sich die Bildgegenstände ihrer Fotos, bemerkt man, dass sich hier das gesamte Repertoire der Gattungen traditionellen Malerei finden lassen: Genremalerei, Porträt, Landschaft oder Stilleben.

Geradezu berühmt geworden ist Sandra Mann in Deutschland mit ihren Genre-Bildern: die sie in der rastlosen Party- und Nightlife-Szene rund um den Globus geschossen hat: Schwitzende Leiber, Partyqueens, Exhibitionisten, Tatoowierte, Aussteiger, Aufsteiger, Absteiger. Faszinierende Einblicke in die Welt zwischen Mitternacht und Morgengrauen, auf der Suche nach der größtmöglichen Lebensintensität. Prachtvoll, lebenshungrig, abgründig.

Gleichermaßen beeindruckend sind Sandra Manns Stadt- und Landschaftsbilder, die ebenfalls auf Reisen der Künstlerin durch die Metropolen dieser Welt entstanden: von Paris und Frankfurt bis New York und Mexico-City. Diese Werke wirken in ihrer sonderbar sperrigen Poesie deutlich zurückhaltender als Manns Party-Bilder. Etwa die Werkreihe, die die Künstlerin von einem Mailand-Aufenthalt mitgebracht hat: Melancholische Impressionen einer Stadt, in der sich Alltagswelt und Modewelt durchkreuzen und bespiegeln, und eine Atmosphäre der Einsamkeit und Verstörung zurücklassen.

Sandra Manns Stilleben, diese wunderbaren Kompositionen aus Gewöhnlichem und Absonderlichem, die sie mit ihren Fotos aus dem Alltag herausschneidet: Sehnsüchtig versammeln sich die Schnapsflaschen vor dem Fenster mit Blick auf die Skyline einer Großstadt. Fische stecken, nachdem sie verspeist wurden, noch einmal ihre Köpfe zusammen. Ein tropfender Wasserhahn hinterlässt im Waschbecken eine Weltkarte und so weiter.

Jedes der Bilder, sei es nun Portrait, Genreszene oder Stilleben hat seine eigene Geschichte, eine Geschichte allerdings, die die Künstlerin, wie sie in einem Gespräch einmal meinte, im Grund gar nicht erzählen will. Sie möchte, dass ihre Bilder beim Betrachter eigenständige Geschichten entstehen lassen. So wie Sandra Mann bei jedem Bild mit dem Auslöser Szenerien einfängt, will sie Geschichten im Kopf des Betrachters auslösen. Das Werk entsteht im Betrachter und das, was da entsteht, muss mit ihrer Geschichte des Bildes gar nichts zu tun haben.

Sandra Mann ist also keine Geschichtenerzählerin im landläufigen Sinne, sie verfolgt zumindest beim Fotografieren kein festgelegtes inhaltliches Konzept, dass sie mit ihren Bildern vermitteln will.

„Wenn ich fotographiere, möchte ich nicht darüber nachdenken, die besten Bilder mache ich, wenn ich nicht denke. Dann übernimmt das Unterbewusstsein im Sinne eines eher fühlenden, intuitiven Denkens die Regie, ein Denken das genährt ist aus persönlichen, räumlichen, zeitlichen, körperlichen und geistigen Erfahrungen.“

Gerade in diesem zentralen Punkt unterscheidet sich ihre Arbeit vom Fotojournalismus, der ja Geschichten in Bildern erzählt.

Konzeption und Komposition spielen in ihrer Kunst allerdings in anderer Hinsicht eine wichtige Rolle. Ihre Konzepte setzt sie um, wenn sie mit den fertigen Fotographien arbeitet, d.h. wenn sie diese in Ausstellungen hängt und zusammenstellt. Ihre Präsentationen sind im eigentlichen Sinne Fotoinstallationen, mit denen Sie, wie etwa auf der Art Cologne 2005 ganze Räume ausfüllt.

Die Künstlerin reagiert bei der Hängung jedes Mal auf die Räumlichkeiten, die ihr zur Verfügung stehen. Innerhalb dieses gegebenen Rahmens inszeniert sie ihre Werke nach einer freien, lust- und humorvollen Dramaturgie. Sie stellt Beziehungen zwischen den Bildern her, bringt Motive, Farben und Inhalte zusammen, schafft unverhoffte Begegnungen und überraschende Korrespondenzen. Aber auch hier gibt die Künstlerin keinen festen Plan vor, dem jeder genau zu folgen hätte. Der Betrachter darf sich seinen eigenen Weg durch dieses intelligente Dickicht  hintergründiger Andeutungen suchen.

Die Stärke der Bilder von Sandra Mann liegt in ihrer Unmittelbarkeit, in der Nähe, die die Künstlerin zu ihren Bildgegenständen und besonders zu den Menschen hat, die sie fotografiert. Sie ist immer mitten im Geschehen, unauflöslich ein Teil davon und doch gelingt es ihr, die Distanz des stillen Beobachters zu wahren. Sie bleibt überlegen und trotzdem findet sich in den Aufnahmen nie auch nur ein Hauch von Überheblichkeit oder auch Voyeurismus. Ihr Blick auf die Welt ist zwar gnadenlos aber dabei immer auch in gewissen Sinne liebevoll. Sie begegnet allem und jedem, dem sie mit ihrem Fotoapparat gegenübertritt, mit Respekt. Sie versucht, wie einmal sagte, dem Fotografierten immer etwas zu geben, und nichts zu nehmen.

Dies ist nicht selbstverständlich, denn das Fotographieren sei im Grunde etwas Brutales, sagt Sandra Mann, es ist immer ein Abschießen, Festhalten, ein Herausreißen aus dem Fluss der Zeit. Sandra Mann aber vermag es, den Dingen ihre Oberfläche zu nehmen, ohne ihnen die Seele zu rauben, ohne sie zu Schauobjekten zu degradieren. Hierin liegt vielleicht das Geheimnis ihrer Fotografien: In Manns Bildern entfalten die Menschen und Dinge (mit der Hilfe des Betrachters) ein Leben, das vielleicht  über ihre eigentliche Existenz hinausgeht. Es ist eine Fotografie, die nicht festhält und nimmt, sondern eine Fotografie, die befreit und gibt.

Um es mit den Worten des großen Museumsmanns Jean-Christophe Amman, einem Bewunderer der Arbeit von Sandra Mann, zusammenzufassen:

“Sandra Mann produziert mit ihrem Schauen einen erstaunlichen Reichtum an allem, so als möchte Sie die Welt umarmen”.

Stuttgart, 14.8.2007

Dr. Tobias Wall

aus: Ekrem Yalçındağ (Hg. ed.), Daylife. Sandra Mann, Amerikan Hastanesi Yayinlari, Istanbul (Levent Özçelik) 2008